CENTINELA “Teoría De La Fidelidad”

(CD Music)

Tras el pequeño respiro que se tomaron los albaceteños Centinela con el lanzamiento hace unos meses de su disco acústico “Espinas Del Alma”, vuelven a hora estos jóvenes y experimentados metaleros a su senda cañera habitual con esta “Teoría De La Fidelidad”. Un disco que continua la línea marcada por el más denso y oscuro “Claustrofobia”, aunque recuperando algo más del brillo y viveza con el que nos sorprendieron a todos en sus primeras entregas. Los elementos básicos de su sonido siguen presentes: poderío y solidez en la base rítmica que forman Javier Simarro y Miguel A. Moreno, guitarras cada vez más enrevesadas y rasgadas a cargo de Fernando Moya y Juan Pedreño, y una enorme capacidad y potencia que muestra una vez más José Cano con su voz. Los riffs pesados rozando la saturación predominan a lo largo de la obra, sin ensuciarse en exceso y manteniendo un sonido bastante limpio en el que lucen todas las facetas y cualidades de la banda. Empieza a mostrarse este sonido con “Mi Nombre”, un tema de puro heavy metal agresivo y directo matizado por algún reatazo misterioso, dinamizándose a continuación con la clásicamente Centinela “Más Fuertes” donde la voz de Cano en su estribillo se mete en la cabeza a la primera. Suavizan relativamente el ritmo en el inicio de “Dulce Compasión”, donde se muestran más matices vocales opacos y profundos junto a otros más melódicos que se contraponen a unos riffs estridentes y currados a lo Pantera. Vuelven los tonos más agudos y los ritmos marcados en “Hablo De Vivir” adornada por buenos dibujos de guitarra, como sucede en la más tendida y recitada “La Sentencia” donde se aprecian suaves arreglos acústicos, que ya aparecen anteriormente en la sombría y atormentada balada “Inevitable”. Continua la caña hasta el final con la más actual de tintes industriales en sus guitarras “Siéntelo” de voz poderosa y limpia que transmite su reivindicativo mensaje a pesar de su pesada base, que sigue igualmente densa en la más clásica “Seis” que recuerda en sus buenas líneas melódicas de voz a los primeros Angeles Del Infierno con los que siempre se ha comparado a los manchegos. El final lo pone “Arriésgate” uno de los cortes más destacados del CD, agresivo, tanto en su letra como en su instrumentación, de gran pegada, y con un sonido de guitarras cercano al thrash más limpio. Buen disco de Centinela, que se confirman, si es que no lo estaban ya, como una de las formaciones más interesantes de puro heavy metal de España, y en mi opinión recuperando algo del terreno que perdieron con su anterior e inferior entrega “Claustrofobia”, y que al igual que han hecho con ésta han tenido el detalle de ponerla a disposición de los fans de forma gratuita para ser descargados a través de su web oficial (http://www.centinelametal.net/).

Mariano Palomo

LEITHIAN “Voces De Libertad”

(Azrael Records)

Aunque publicado el pasado año 2008, llega ahora a nuestras manos este trabajo de los valencianos Leithian. Una joven formación de heavy – power metal enraizado en la más clásica tradición de los noventa de bandas como los primeros Avalanch, Sorcery, Tierra Santa o los propios Azrael en cuya escudería están integrados. Basta con empezar a escuchar “Corazón De Piedra” en la que las líneas vocales cortadas encabezadas por José Cebrián, recuerdan bastante a las de los granadinos sobre la potente base formada por el batería Lorenzo Bustos y por el bajista Oscar Fayos. Toman mayor protagonismo a continuación las guitarras de Carlos Casanova y Sergio Pedro, alternando momentos punzantes y agudos con otros más rasgados y melódicos en cortes como la épica “Sólo Por Ti”, en la más viva y melódica “La Sombra Del Miedo”, en la alegre y matizada “Recuerdos Del Ayer” en la que destacan sus coros y algún cambio de ritmo algo progresivo, en la virguera de buen ritmo “Laberinto”, o en las finales “Destino Sin Rumbo” donde se dobla la voz chillona de José de modo épico, y “Voces De Libertad” que se convierte en una de las más destacada, además de por los cruces de guitarra a lo Maiden, por su ritmo enganchante y optimista, como sucede en la igualmente coral y algo más hard rockera en sus guitarras “Miradas Heridas”. Por el camino nos encontramos con momentos más densos y sombríos como los que proponen “Eterna Soledad”, la más teatral melódica y progresiva “Causa De Culpa” o en la intensa y profunda balada “Días Nublados” de letra triste y descarnada con buenos detalles acústicos. Como viene sucediendo últimamente con este tipo de lanzamientos se echa en falta algo más de originalidad y creatividad, pero se observa un buen nivel instrumental, y una labor vocal que puede resultar tan positiva por sus matices e intensidad, como mejorable por algunos momentos excesivamente agudos y estridentes. Tiempo por delante tienen más que de sobra, esperaremos a observar su proyección en el futuro.

Mariano Palomo

WIG WAM “Non Stop Rock’n’Roll”

(Frontiers / Mastertrax)

Tenía mis dudas de que los noruegos Wig Wam volvieran a publicar algo después de sus dos primeros discos en estudio que supusieron una de las irrupciones más rotundas y llamativas dentro del hard rock escandinavo, y me explicaré. Con su imagen absolutamente glam, hortera y estridente por momentos, sus temas sencillos y pegadizos absolutamente influenciados por los clásicos del género (Sweet, Slade), y la escasez de actuaciones en directo fuera de su Noruega natal (a pesar de haber grabado DVD y CD en Japón), uno no se los tomaba demasiado en serio y tenía la impresión de que no podían volver a sorprendernos con un nuevo disco al nivel de sus anteriores entregas, “667 The Nieghbour Of The Beast” y “Wigwamania”. Y la verdad es que lo han conseguido, manteniendo la fórmula de temas divertidos y pegadizos como “Do Ya Wanna Taste It” que no puede ser más sencilla y directa para abrir, “Wild One” de ritmo rock glam llena de coros directos y melódicos, la más melódica a lo Slade “C’mon Everybody” que es una invitación al baile, al igual que la alegre “Non Stop Rock’n’Roll” que me recuerda a Aerosmith por sus dinámicas guitarras. Unas guitarras de Teeny que cobran mayor protagonismo en la más dura y seria “Walls Come Down” junto a la voz de Glam algo estridente a lo Poodles del último disco, como en la típicamente escandinava “Still I’m Burning” que engancha por su buen ritmo y voces, siendo más sencilla y tendida “All You Wanted” de buen estribillo, y recordando en su ritmo a “Sleeping In My Car” de Roxette pero con más guitarras, animada aunque algo falta de garra. Destaco también el cierre con la rockera y movida “Chasing Rainbows”, con unos aires hímnicos en los que mucho tiene que ver la destacada labor de los coros infantiles que redondean el tema quedando curiosa y currada. Como contraste se relajan en la sentida acústica “Man In The Moon” que siendo correcta sobre todo por la profunda voz de Glam les queda sosilla, al igual que la cálida y hueca “From Here” donde piano y voz cubren el tema. Los seguidores del grupo y del hard melódico divertido ya tienen otra referencia más a la que seguir la pista.

Mariano Palomo

KEEL “Streets Of Rock & Roll”

(Frontiers / Mastertrax)

Continúan los regresos discográficos de bandas hard rockeras de los ochenta desaparecidas en combate hace tiempo. En este caso le toca el turno a Keel, una formación que sin llegar a alcanzar una enorme popularidad en su momento, sí obtuvieron cierto reconocimiento con alguno de sus trabajos y singles, caso del ahora reeditado “The Right To Rock” o “The Final Frontier”. Vuelven ahora con un disco que mantiene toda la esencia y espíritu de entonces, puramente hard rockero, menos macarra y heavy que aquellos, pero perfectamente reconocible desde el principio de su escucha. Evidentemente en esto tiene mucho que ver el hecho de que la formación se mantiene prácticamente intacta respecto a la original, con la única excepción del puesto de bajista en el que actualmente Geno Arce sustituye a Kenny Chaisson. Ron Keel obviamente sigue poniendo su apellido y voz a la banda, en unos tonos más melódicos y menos potentes que antaño, algo que agradezco personalmente, como siempre bien acompañado por los guitarristas Marc Ferrari y Brian Jay, y por el batería Dwayn Miller. Me da la sensación que el quinteto no se ha complicado la vida y ha tirado de composiciones sencillas, llegaderas, guitarreras y melódicas con las que entran con sencillez al oyente, caso del tema título y apertura “Streets Of Rock & Roll” efectiva con su alegre ritmo y claro estribillo, a la que sucede la más poderosa y coreada “Hit The Ground Running” adornada por un buen solo de guitarra. Aceleran a continuación con la más heavy “Come Hell Or High Water”, que me recuerda bastante, no sólo por el título, a los californianos Y&T, con la voz de Ron más ronca y profunda y con una intensidad destacable. Se suaviza el sonido con la hard melódica “Push & Pull” de estribillo claro pero carente de fuerza quedando un poco sosa, mejorando en la más acústica “Does Anybody Believe” a ritmo de medio tiempo-balada destacando sus coros y su buen solo eléctrico. El hard rock clásicamente ochentero queda reflejado totalmente en la sencilla y resultona “No More Lonely Nights”, en la más áspera y tendida “The Devil May Care (But I Don’t)”, en la más melódica y optimista “Looking For A Good Time”, o en la alegre totalmente coreable casi A.O.R. “Live” que se convierte en una de mis favoritas. Por el contrario me parecen menores, las más sombrías y pesadas “Brothers In Blood” a pesar de sus buenos matices vocales, “Hold Steady” de aires misteriosos en sus guitarras, y la más heavy y agresiva “Gime That”. Buen disco en general, más que digno retorno que esperemos acaben de refrendar en directo, supongo que no sería extraño verles por el viejo continente en algún que otro festival veraniego.

Mariano Palomo

KEEL “The Right To Rock. 25th Anniversary Edition”

(Frontiers / Mastertrax)

Coincidiendo con el lanzamiento su nuevo trabajo, “Streets Of Rock & Roll”, los chicos de Keel han aprovechado para reeditar veinticinco años después “The Right To Rock” el disco que les dio a conocer al gran público de la mano de su padrino Gene Simmons. La verdad es que la reedición en sí tiene poco nuevo que ofrecer, a pesar de su remasterización el sonido no mejora excesivamente al original, no demasiado nítido por cierto, y como golosinas y curiosidades apenas incluye dos bonus track. El primero una versión Remix de uno de los cortes del disco “Easier Said Than Done”, más limpia y melódica que la original, sobre todo por la voz de Ron; y el segundo una nueva versión del tema título “The Right To Rock”, con un inicio distinto, igualmente con la voz menos áspera y con las guitarras más limpias, pero con menos fuerza, a pesar de la colaboración en sus coros de invitados de la talla de Paul Shortino (Quiet Riot, Rough Cutt), Lez Warner (The Cult), Ron Mancuso (Beggars & Thieves) o Graham Rissell (Air Supply), amén de las voces de algunos fans que enviaron sus grabaciones por internet para participar en esta regrabación. El resto, lo mismo que encontrábamos en la edición original del 85, temas bastante heavies y poderosos como “Back To The City”, “Speed Demon” o “You’re The Victim (I’m The Crime)”, otros más densos como la macarra “So Many Girls, So Little Time” o “Get Down” en el que se nota la mano de Simmons, contrastando con la más hard rockera “Electric Love”, la intensa “Easier Said Than Done”, o con la más que correcta versión que se marcan del clásico “Let’s Spend The Night Together” de los Stones. Una buena oportunidad para hacerse con este material para el que aun no lo tenga, pero no demasiado interesante para los que ya se hicieron con él en su momento.

Mariano Palomo

THE MURDER OF MY SWEET "Divanity"

(Frontiers / Mastertrax)

Cuando parecía que había pasado la fiebre por las bandas de metal melódico lírico-orquestado con chica al frente, de repente nos encontramos con esta nueva y peliculera formación surgida en tierras suecas, y que a finales del próximo mes de enero pondrá en circulación su primera entrega discográfica. Una entrega que, como venía sucediendo últimamente con este tipo de bandas, en mi opinión adolece de originalidad y consigue que prácticamente todos los temas me suenen muy similares, a pesar de la dulce y melódica voz de Angelica Rylin, tan correcta y agradable como escasa en matices, más cercana al pop que a la ópera. Acompañan a la Srta. Rylin experimentados instrumentistas de la escena escandinava, destacando el batería, compositor y productor Daniel Flores ideólogo de la banda, secundado por el teclista Andreas Lindhal que absorbe una enorme cuota de protagonismo con sus sonidos orquestales a lo largo de toda la obra, dejando bastante eclipsados al guitarrista Daniel Palmqvist y al bajista Johan Niemann. Como comentaba me resulta complicado destacar algún tema sobre el resto, es todo muy correcto, agradable al oído, bien ejecutado, pero algo saturante y plano con tanto arreglo orquestal en primer plano. Destacaría la inicial “No Evil” por su aire teatral y atormentado que puede recordar a unos Nightwish menos agresivos, la potente y más melódica, dentro del tono absolutamente melódico de toda la obra, “Bleed Me Dry” con buenos matices de percusión a cargo de Flores, la poderosa a lo Evanescence “Chemical Attraction” de buen y dinámico estribillo, la más guitarrera y casi hard rockera “One Bullet” donde luce más Palmqvist, al igual que en la sampleada de arreglos electrónicos “Revolution” con la voz de Angelica más currada y directa. Me han atraído menos pero tampoco me han disgustado la extensa “Death Of A Movie Star” un relajado y evocador medio tiempo con puntos intensos e incisivos contrastados por otros orquestales y acústicos, la más justita y directa “Follow The Rain” que me recuerda a Within Temptation, la pomposa y teatral “Kiss Of Death” en la que destacan sus coros, la híbrida “Valerie” cercana al hard rock en su ritmo y estructura pero con los mismos arreglos orquestales, y la sencilla de tintes góticos suaves “Tonight”, que casi sirve de preámbulo a la más cañera e incisiva “Storms Of The Sea”. Si este disco hubiera salido hace unos años, antes con la explosión de bandas como las citadas más arriba, quizá tendría más repercusión, pero me temo que, aunque se escucha muy bien, la gente ya está saturada de estos sonidos y no le prestará excesiva atención.

Mariano Palomo

BRUCE KULICK “BK3”

(Frontiers / Mastertrax)

A principios del próximo año nos encontraremos con el lanzamiento del tercer disco en solitario del guitarrista norteamericano Bruce Kulick. Un buen hacha que obtuvo sus mayores cotas de popularidad y reconocimiento en, para mi, parte de la mejor etapa de Kiss participando en discos como “Crazy Nights”, “Hot In The Shade” o “Revenge” entre otros y que desde hace casi una década forma parte de las filas de los míticos Grand Funk Railroad. Aun así, ha sacado tiempo para realizar y poner en circulación un nuevo disco en solitario que poco o nada tiene que ver en su sonido con los grupos antes mencionados, sobre todo con Grand Funk Railroad. Algo más de presencia Kiss sí encontramos, tanto en sonido (de la época “Carnival Of Souls”) como en nombres, con la participación en uno de los temas de Gene Simmons, concretamente en la densa y oscurilla “Ain’t Gonna Die”, de ritmo pesado en el que se alternan voces opacas y desgarradas junto a unos sonidos saturados y algo psicodélicos de guitarras. No es ésta la única colaboración que aparece en el disco junto a Kulick, de hecho nos encontramos con otro Simmons, en este caso Nick, que participa en la actual y plomiza “Hand Of The King”. Estos ritmos pesados y actuales dominan gran parte del disco, sobre todo en sus primera mitad, con temas como el intenso medio tiempo de toques acústicos “Friend Of Mine” en la que reaparece el desafortunado últimamente John Corabi poniendo su voz, como lo hace más adelante el gran Tobias Sammet en la más heavy y melódica “I’m The Animal” de buen estribillo y arrastradas guitarras y en la que también deja su sello con su batería el ex compañero de Kulick en Kiss Eric Singer. Los aires modernos marcan la inicial “Fate”, enérgica y saturada pero algo plana, dando pie a las comentadas anteriormente, para mejorar sensiblemente con las más hard rockeras y melódicas “Dirty Girl” todavía de matices actuales a lo Rubber con la participación de Doug Fieger, y en la sencilla y agradable “And I Know” de buenas guitarras. Relajadas son también el medio tiempo electro-acústico “I’ll Survive” algo monótono, mejorado ligeramente por la acústica e intimista “Life”, de buen solo melódico y susurrante con breve final de violín algo folkie. Se completa el tema con dos instrumentales que son de las que más me han gustado, “Skydome” un buen e intenso ejercicio técnico rescatado de su anterior disco “Audiodog” a modo de bonus track, y sobre todo “Between The Lines” en la que pone su arte a disposición de la composición el guitarrista de Toto Steve Lukather, dotando de dinamismo, originalidad y brillantez a su sonido con sus buenos cortes de ritmo. De lo más destacable de este disco, irregular y aburrido por momentos, pero con retazos interesantes.

Mariano Palomo

EL MISMÍSIMO DIABLO “El Mismísimo Diablo”

(Autoeditado)

Hace ya algún tiempo que en nuestro blog venimos hablando de esta banda madrileña. Los que oyeron gratuitamente en http://www.elmismisimodiablo.es/ su maketa del 2008, de la cual hicimos cumplida reseña en su momento, ya tienen la mitad del disco escuchado, porque cinco de sus seis temas han sido recuperados para este larga duración. Para los recién llegados o los desmemoriados, no queda más remedio que presentar de nuevo a los miembros del grupo. Los hermanos Bustos, Javi guitarra y Mariano vocalista. Miguel Sempere al bajo y un tal Vale Rodríguez en la batería. Todos ellos músicos profesionales de gran experiencia, aunque no hayan alcanzado la fama para el gran público, excepto Vale, quien, como todos sabemos, después de Hermes es el batería que más años ha pasado en Barón Rojo. Como ya dijimos, no se les puede encajonar estrictamente como heavies, aunque tienen canciones que sí pueden catalogarse como tales, como las rápidas “El Loco” o “Miedo del Ayer”. Pero lo mismo se aproximan al blues con “Libérate”, se meten en el flamenco-rock en “Copla Negra”, o recuerdan a Def Con Dos en “Me Voy”. Y no faltan temas rocanroleros y simpáticos, como “Leña al Mono” o “El Tío Paliza”, que es de los mejores. La palabra clave con ellos es variedad. Huyen del aburrimiento o del encasillamiento como de la peste. En cuanto a las letras, de todo hay. Algunos cortes hablan de líos con las mujeres, como “Escúpeme en la cara” o “Libérate”. Otros de temas sociales, como es el caso de “Miedo del Ayer”, que habla de las drogas, o “Leña al Mono”, que critica la prepotencia de algunos policías. Otros tienen unos textos de difícil interpretación, casi surrealistas, es el caso de “Tikon” o “El Loco”. Aunque nuestras canciones favoritas son las de simple diversión y cachondeo, “Me Voy” o “El Tío Paliza”. Quizá el tema más redondo del álbum es “Chalana”, que se guasea de los telepredicadores. Los músicos de El Mismísimo Diablo han apostado fuerte en estos tiempos de crisis, auto produciéndose y masterizando el disco en los estudios Sterling Sound de Nueva York. Si el resultado es magnífico, se queda corto si lo comparamos a cómo suena el grupo en vivo. Seguro que quienes hayan tenido la oportunidad de disfrutar de sus geniales directos estarán de acuerdo con nosotros.

Nacho Jordán

JEFF SCOTT SOTO “One Night In Madrid”

(Frontiers / Mastertrax)

Hace ya unos meses, el 18 de abril pasado concretamente, pudimos disfrutar en Madrid de la actuación de uno de los iconos vocales del hard rock mundial, Mr. Jeff Scott Soto. La cita tenía muchos alicientes, la presentación de un nuevo disco en estudio, nueva formación con la participación en la banda de dos paisanos y amigos nuestros como Jorge Salán y Fernando Mainer, y la grabación en audio y vídeo del show para su posterior edición. Y es esta primera faceta de la versión doble CD la que analizaremos a continuación, centrándonos en el sonido dejando la imagen para cuando podamos ver el DVD. Como os comentaba Soto venía presentando nueva formación en directo, con Jorge a la guitarra, Fernando al bajo, junto a dos músicos brasileños de la banda Tempestt, el batería Edu Cominato y el guitarrista, teclista y vocalista BJ, realizando los cuatro un magnífico trabajo a lo largo de toda la actuación. También presentaba nuevo trabajo de estudio “Beautiful Mess”, al que dieron un extenso repaso, excesivo para algunos, completando el set con clásicos inevitables de la carrera de JSS, y con ausencias destacadas que, obviamente, por falta de tiempo y espacio no pudieron entrar en el concierto de la Sala Heineken. Se abre el disco con la habitual intro disparada en la que se mezclan retazos de algunos cortes que no nos hubiera importado escuchar integramente como “I’ll See The Light Tonight”, “Warrior”, “All The Girls” o “New Position”, para atacar a continuación con “21st Century” uno de los temas destacados de “Beautiful Mess” que suena potente, con la voz de Jeff grave y melódica bien rodeada por los rotundos coros del resto de la banda, especialmente de BJ. El que luce a continuación es Fernando con su bajo en “Colour My XTC”, una de las joyitas de Talisman que suena sólida y agresiva, y donde Jorge empieza a dejarse notar con un técnico y retocado solo respecto al original, y que consigue que el público se meta coreando el tema al igual que con “Soul Divine”, para relajarse un poco en “Our Song” con la voz cálida y doblada. Vuelve el poderío guitarrero con “Drowning”, de enorme pegada y donde Edu muestra su buen hacer a la batería, enlazando con una breve y divertida “Funky Jam” en la que Jorge se dedica a experimentar con su guitarra junto a la sensual voz de Jeff. Baja el pistón con el ritmo vacilón y cortado de “Mountain” con un rollo Prince algo pesado, mejorando notablemente a continuación con “Eyes Of Love” un magnífico ejercicio de hard rock guitarrero, algo sucio pero muy auténtico sin retoques de postproducción como todo el disco, y en la que coros y guitarras sobresalen totalmente. Nuevo guiño funky-rock en “Testify” de gran estribillo y riffs rasgados, para cerrar el primer CD con la presentación de los miembros del grupo, y con la suave “Broken Man” llena de feelin’. Al segundo CD casi podíamos llamarlo el CD de los medleys, aunque comienza con la electro-acústica más soul “Hey” de “Beautiful Mess” en la que sobresalen las voces, convenciéndome más que en estudio como todas las del último disco, para encontrarnos posteriormente con dos versiones que Soto ya se ha apropiado y que acaban siendo de lo mejor en sus shows, “Frozen” de Madonna y “Crazy” de Seal, interpretándolas enlazadas con maestría tanto por él como por BJ y por los coros de sus otros tres acompañantes en escena. El momento piano aparece con un medley de preciosos temas que resultan tan agradables al oído como algo pesados en su desarrollo; en cualquier caso escuchar de las teclas y la voz de JSS fragmentos de “If This Is The End”, “Holding On”, “Nobody Said It Was Wanna Be Easy”, “4U” o “Just Between Us” inevitablemente provoca la reacción de emoción y entrega del personal que aparece reflejada con sus entregados coros. Sigue el ritmo relajado y de piano con el inicio de “Gin & Tonic Sky”, apasionada y romántica que va cogiendo cuerpo con la entrada de los instrumentos eléctricos, dejando seguidamente un curioso “JSS/Jorge Workshop” que resulta ser una conversación entre la guitarra virguera y bluesy de Jorge y la voz de Jeff con unos aires algo Queen, para cerrar antes de los bises con la inevitable “I’ll Be Waiting” que en esta ocasión interpretan de forma más estandar y fiel a la original, siendo igualmente coreada y palmeada por el público. La vuelta a escena se produce con “Stand Up” tema principal de la banda sonora de la película “Rock Star” sonando sus golpes de batería iniciales demasiado bajos, mejorando cuando entran las guitarras potentes y saturadas junto al poderío de la voz de Jeff. El final del disco son trece minutos de pura fiesta, un “Funky Medley” en el mezclan retazos de “We Will Rock You”, “I Love Rock And Roll”, “Play That Funky Music”, “The Roof Is On Fire”, “Shake Your Booty”, “Macho Man”, “Ice Ice Baby” o de la tremenda “Staying Alive” con el falsete en todo lo alto, dentro de unos cambios de ritmo setenteros y discotequeros que hacen que se nos muevan los pies sin remedio, cuando salga el DVD no os perdáis las coreografías. Cierre espectacular para un gran disco en directo, muy auténtico y enérgico, mejorable en su set, pero difícilmente en su nivel musical y pasional.

Mariano Palomo

MELQART “Libre”

(Autoeditados Distro)

Los vallisoletanos Melqart empiezan a hacerse un hueco dentro del panorama metalero nacional a base de currar bastante en directo, y de sacar discos tan dignos como este “Libre” que ahora nos presentan. Desde que comenzaron su andadura coincidiendo con el inicio del siglo XXI han ido creciendo poco a poco, mejorando y puliendo su sonido, y ofreciendo composiciones intensas y apasionadas cada vez con más calidad. Para refrendar estas aseveraciones basta con comenzar a escuchar esta última entrega de la banda y encontrarnos con la arriesgada “Sin Patria”, sobre todo por sus casi once minutos de duración en los que recorren dentro de su guerrera temática pasajes épicos y sonidos heavy power melódicos, fundamentados en voces limpias, buenos coros, ritmos cabalgantes, guitarras dobladas y melódicas, marcándose un sorprendente cambio de ritmo con guitarras acústicas, ambientes relajados y voces suaves, para recuperar la dureza inicial posteriormente. Sin duda este tema de apertura supone, además toda una declaración de intenciones, una de las piezas destacadas del disco, como lo son, la clásica heavy rockera “Noche De Rock” que me recuerda a los valencianos Zarpa, al igual que la más underground ochentera “Masters Of The Fire” en la que, a pesar de cambiar de idioma, la voz de Carlos Sanz no desentona en absoluto, defendiéndose casi al mismo nivel en la lengua de Shakespeare que en la de Cervantes. Algo que podemos comprobar en los otros dos cortes que aparecen en inglés en el CD, la clásica y algo épica “Living Alone”, en la que destaca el ritmo marcado por el bajista y corista David Segura que forma una buena dupla rítmica junto a Iñaki Lázaro a la batería, y la intensa y emotiva balada electro-acústica “The Last Day” que aparece como bonus para cerrar el disco. Antes, y volviendo a los temas en nuestra lengua, podemos disfrutar de interesantes composiciones como la clásica de matices power “Nada”, de nuevo con el bajo muy presente junto a la voz de Carlos recordando al Leo de sus inicios en Saratoga, al igual que en la rápida y motera “Sobre El Asfalto”, con unos coros muy motivados y unas guitarras a cargo de Jaime Pelillo y de Roberto Parrado (también colaborador en los coros), claramente deudoras de la pareja Smith-Murray. Se completa el trabajo con la segunda y tercera parte de “Sueños Sin Alcanzar”, una serie que se abría hace un par de años con su primera parte en el anterior disco del grupo “Esclavo Del Destino”, y que nos muestra dos piezas completamente distintas. La primera de ritmo lento, en los que los sonidos acústicos a cargo del invitado David Martín marcan el tema, adornado con unos bonitos arreglos de flauta travesera de Raquel y por la segunda voz de Cristina (siento no poder dar sus apellidos pero no constan en los créditos), dotando al corte de unos aires melancólicos y bucólicos, que se intensifican al final casi a modo de power ballad, para enlazar con la siguiente parte. Una tercera parte, absolutamente heavy, clásica y melódica, sencilla instrumentalmente, y donde la voz de Carlos convence junto a la de Valen que también aparece como invitado para darle empaque e intensidad. Nuevo paso delante de esta banda castellana que, sin destacar por su originalidad, si demuestra un trabajo serio, eficaz y cada vez más brillante.

Mariano Palomo

LUX IN TENEBRE “Miserere Nobis”

(Molusco Records)

Desde Albacete llega a nuestras manos la segunda entrega de los chicos de Lux In Tenebre, sucesor de su primer redondo “Cenizas” con el que empezaron a darse a conocer tocando a través de la geografía peninsular. Nosotros los descubrimos ahora con este “Miserere Nobis”, un disco ambicioso en su concepción, amplio en matices y detalles, pero todavía algo corto técnica y comercialmente hablando. En el mismo se mezclan sonidos puramente heavy metaleros, con ambientaciones góticas, ramalazos progresivos, e incluso algún guiño death metalero, y con algunos detalles por pulir tan perdonables como mejorables por la juventud del combo. Abren tras la misteriosa y lenta instrumental “Lux Et Tenebre”, dando paso a la gótica y desgarrada “Mieserere Nobis”, agresiva en las melodías de voz de Tomás Quilez acompañado por el bajista Domingo Cebrián en las partes guturales que forma la base rítmica junto a su hermano Antonio a la batería, y contrarrestada por unos trabajados y melancólicos arreglos de teclas a cargo de Alejandro Campos, conformando uno de los cortes más destacados del disco. Continúan con un ritmo más atemperado en la más heavy “Jugando A Ser Dios”, con la voces variando de chillonas y agudas a opacas y más melódicas, junto a las guitarras de José Manuel Martínez y Sergio Blázquez rasgadas y dobladas, cambiando con los arreglos de teclas más góticos y progresivos. “Noche De Lobos” sigue la misma línea destacando los juegos de teclas y guitarras, volviendo la fiereza y agresividad en “Jihad”, sencilla y pesada con fases guturales. La melancolía y oscuridad vuelven con la lenta y acústica “Niebla” que incluye una parte recitada junto al piano, densificándose a continuación con “Falsa Creencia”, un tema de power metal rasgado en el que destacan su currado solo de guitarra y su buena y crítica letra laicista. Más tétrico se torna el sonido en “Jack” de tempo lento y guitarras saturadas junto a la inquietante voz de Tomás, que toma tintes más pasionales en la lenta “Tiempos Mejores”, para doblarse a continuación en la más clásica “Sin Perdón” en la que el rencor se apodera de su letra, de guitarras sencillas recordando a los Maiden más épicos, como lo hacen a continuación con la cabalgante “Gracias A Ti” donde encontramos unos marcados arreglos de bajo y guitarra española, recuperando su dureza al final. El cierre lo pone la extensa y destacada “Tu Hora Llegará”, una composición que comienza oscura y misteriosa, con buenos juegos de voces tenues y desgarradas, que se acelera, insertando algún toque gutural, detalles de piano, cambios de ritmo líricos y épicos, aires góticos y teatrales, y guitarras más hard-heavies clásicas, casi a modo de resumen del sonido de todo el disco. Como bonus track nos dejan una versión del mega clásico “Eye Of The Tiger” de Survivor, curiosa y estridente por momentos, y que puede darnos una idea bastante aproximada de lo que ofrecen Lux In Tenebre en este disco, buenas intenciones, buen gusto conceptual, pero todavía con mucho trabajo por delante y con muchas cosas por pulir en su sonido. Creo que si son capaces de plasmar musicalmente todas sus ideas de forma más nítida y asequible mejorarán notablente.

Mariano Palomo